Điểm khác biệt cơ bản nhất của nhiếp ảnh số với các loại hình nghệ thuật trước đó là gì
|
nghệ thuật ảnh một loại hình sáng tạo nghệ thuật dựa trên việc sử dụng các khả năng biểu đạt của nhiếp ảnh (Xem phần Nhiếp ảnh). Từ những ngày đầu tiên ra đời, các đại diện của mỹ thuật đã chuyển sang một phương tiện kỹ thuật "mới" lạ là sửa hình ảnh. Một trong những người phát minh ra nhiếp ảnh, L. J. M. Daguerre, là một nghệ sĩ, và những bức ảnh chụp đầu tiên (daguerreotypes) đã được tạo ra phù hợp với các thể loại chân dung, phong cảnh và tĩnh vật truyền thống cho hội họa. Nhiếp ảnh sơ khai công khai bắt chước các bức tranh; mỗi xu hướng trong nghệ thuật thị giác của thế kỷ 19 (chủ nghĩa lãng mạn, chủ nghĩa hiện thực phê phán, chủ nghĩa ấn tượng) đều có bản sao của nó trong nhiếp ảnh bằng hình ảnh (tức là bức tranh bắt chước). Những người theo đuổi chủ nghĩa tượng hình, vốn được gọi là nhiếp ảnh nghệ thuật, đã làm rất nhiều để đảm bảo rằng nghệ thuật nhiếp ảnh có được một nền văn hóa tốt đẹp và cảm nhận được mối liên hệ hữu cơ của nó với nghệ thuật tạo hình. Những cuộc tìm kiếm như vậy đã dẫn đến những kết quả đáng chú ý nhất trong một bức ảnh chân dung. G. F. Nadar ở Pháp, J. M. Cameron ở Anh, A. I. Denier và S. L. Levitsky ở Nga, v.v. các hiệu ứng chụp khác nhau (ánh sáng, v.v.) để truyền tải đáng tin cậy các đặc điểm tính cách được tái tạo bằng tài liệu của người được miêu tả. Nếu ở thể loại chân dung đã có giữa thế kỷ 19. Nếu các khả năng tượng hình được phát triển chỉ dành riêng cho nhiếp ảnh, thì các tác phẩm thuộc các thể loại khác ban đầu hoàn toàn thuộc về xu hướng ảnh. Trong hầu hết các trường hợp, trong hầu hết các trường hợp trước đây, các họa sĩ và nghệ sĩ đồ họa đã tạo ra những tác phẩm rất phức tạp trong thiết kế và thực hiện; thường, nhiếp ảnh gia phải gắn tác phẩm từ nhiều bản âm bản [ví dụ, tác phẩm ngụ ngôn hào hoa "Hai con đường cuộc đời" của bậc thầy người Anh O. Reilander (1856) được gắn từ 30 bản âm bản]. Quá trình làm việc trên các tác phẩm nhiếp ảnh thường bao gồm việc tạo ra các bản phác thảo đồ họa, như một thông lệ khi tạo ra các bức tranh. Song song với các hướng của F., đã phát triển trong môi trường nhân tạo của xưởng may, đã có từ những năm 1860. kỹ thuật chụp ảnh tự nhiên lan tỏa. Tuy nhiên, phong cảnh chụp ảnh cho đến những năm 1920. được phát triển trên tinh thần bắt chước một phong cảnh đẹp như tranh vẽ (Người Pháp R. Lamar, Người Bỉ L. Misson, Người Anh A. Cayley, Người Nga S.A. Savrasov, v.v.). Cũng giống như trong thể loại chân dung, F. đã trở nên phổ biến rộng rãi. Ánh sáng Rembrandt, trong cảnh quan nhiếp ảnh của cuối thế kỷ 19 - đầu thế kỷ 20. đã sử dụng các nguyên tắc của hội họa theo trường phái ấn tượng. Chụp ảnh tự nhiên dân tộc học nửa sau thế kỷ 19. là một loại sổ ghi chép của du khách: nó tự đặt ra mục tiêu là nơi định hình đáng tin cậy các tài liệu quan trọng. Kết quả của các cuộc điều tra dân tộc học thực địa ban đầu cho thấy hiệu quả của phương pháp này, vì chúng là cơ sở cho sự xuất hiện của chụp ảnh phóng sự. Các bức ảnh chụp từ mặt trận của Crimean 1853-56 (R. Fenton) đã nhận được phản ứng rộng rãi của công chúng (thường được đánh dấu bởi tính trung thực khắc nghiệt). Nội chiến ở Hoa Kỳ 1861–65 (M. B. Brady, A. Gardner), Nga-Thổ Nhĩ Kỳ 1877–1878 (A. I. Ivanov, D. N. Nikitin, M. V. Revensky). Những tiến bộ khoa học và kỹ thuật trong nhiếp ảnh, về mặt nào đó, có ý nghĩa quyết định đối với sự phát triển của nhiếp ảnh. Việc phát hiện ra phương pháp điều chế đĩa gelatin brom khô (R. Maddox, Anh Quốc, 1871) đã làm cho nó có thể từ bỏ cái gọi là. phương pháp collodion ướt và để sản xuất vật liệu ảnh trong nhà máy, giúp đơn giản hóa quá trình chụp ảnh một cách đáng kể. Được đề xuất vào năm 1883 bởi người Nga. nhiếp ảnh gia S. A. Yurkovskii, và sau đó được cải tiến bởi màn trập khe rèm của Áo O. Anschütz, thích ứng với độ phơi sáng ngắn m , được phép chụp ảnh người và vật thể đang chuyển động. Việc tạo ra máy ảnh cầm tay Kodak của J. Eastman (Mỹ, 1886-88) đã tạo động lực mới cho sự phát triển của nhiếp ảnh phóng sự. Trong nửa sau của thế kỷ 19. và trong thế kỷ 20 các ống kính nhiếp ảnh mới, ngày càng hoàn hảo và đa dạng hơn và các yếu tố khác của quang học nhiếp ảnh (ví dụ, các phần đính kèm và các ống kính đặc biệt để chụp ảnh toàn cảnh) đã được tạo ra. Các công trình của L. Ducos du Hauron (Pháp, 1868–69), F. Ives (Mỹ, 1881), G. Lipmann (Pháp, 1891), B. Homolka năm 1907 và R. Fischer năm 1912 (Đức) đặt nền tảng cho nhiếp ảnh màu. Một cột mốc quan trọng trong lịch sử của F. là loạt ảnh được chụp bởi một số máy ảnh từ các góc nhìn khác nhau (“Ngựa phi nước đại”, 1878; “Hình trong chuyển động”, “Cô gái nhảy” - cả hai 1887) do E. Muybridge thực hiện. (Mỹ), cho thấy vẻ đẹp phi thường của tính dẻo của các chuyển động thực. Phần lớn là do những đổi mới này trong quý đầu tiên của thế kỷ 20. Sự quan tâm đến việc diễn giải các hình thức của thế giới thực (thay vì các nguyên tắc tượng hình được phát triển trong một lĩnh vực nghệ thuật khác, tức là trong hội họa) trong hình thức nhiếp ảnh đã tăng lên. Cùng với chủ nghĩa tượng hình ở những năm F. 1910. nghệ thuật tài liệu ngày càng trở nên quan trọng (E. Atget ở Pháp, P. Martin ở Anh, A. Stiglitz ở Mỹ, MP Dmitriev ở Nga, v.v.), phù hợp với những tác phẩm được tạo ra dành riêng cho văn xuôi thành thị hàng ngày hoặc cuộc sống nông thôn, thấm đẫm niềm thương cảm tha thiết đối với “chú bé”. Một vai trò quan trọng trong sự phát triển của nhiếp ảnh ở giai đoạn này được đóng bởi các kỹ thuật nhiếp ảnh liên quan chặt chẽ đến những thành công của báo chí, chẳng hạn như chụp phóng sự bằng “camera ẩn” (Xem Camera giấu kín) , nhiếp ảnh dài hạn (cái gọi là máy ảnh quen thuộc), tạo ra loạt ảnh (tức là tiểu luận ảnh hoặc một chu kỳ ảnh về một chủ đề). Sự hình thành và phát triển của các hình thức chụp ảnh tài liệu này phần lớn gắn liền với sự ra đời của máy ảnh Leika, một loại máy ảnh nhẹ dùng trên phim (do O. Barnak người Đức phát minh năm 1914; sản xuất hàng loạt bắt đầu vào năm 1925). đặc trưng của những năm 1920. Sự phong phú hóa các khả năng của nhiếp ảnh phóng sự và những thành tựu của nhiếp ảnh tư liệu đã góp phần to lớn vào việc thừa nhận cuối cùng giá trị thẩm mỹ độc lập của ảnh nhiếp ảnh. Giờ đây, sự chú ý chủ yếu chuyển sang việc tạo ra những hình ảnh trung thực tái hiện cuộc sống "dưới dạng chính cuộc sống." Vượt qua những nét đặc trưng của thể loại dân tộc học hay thuần túy chiêm nghiệm, đặc trưng của nhiều quan sát xã hội trong nhiếp ảnh tài liệu đầu thế kỷ 20, đại diện xuất sắc nhất của phóng sự ảnh nước ngoài những năm 1920-1930. đã cố gắng tạo ra những hình ảnh khái quát về chế độ dân chủ tư sản đang suy tàn, sự đầu hàng của chủ nghĩa phát xít sắp xảy ra (các bậc thầy người Đức A. Eisenstadt và E. Zalomon), những bức tranh ấn tượng về sự bần cùng của quần chúng (các tác phẩm của W. Evans, D. Lange, R. Lee, B. Shahn và những người khác. Những người thợ thủ công làm việc vào đầu những năm 30 ở Hoa Kỳ). Vào những năm 1910 - 20. Nghiên cứu chuyên sâu đã được thực hiện về khả năng biểu đạt của vật liệu nhiếp ảnh: trong số những bậc thầy về nhiếp ảnh, các tác phẩm đã trở nên phổ biến (cái gọi là ảnh chụp của L. Moholy-Nagy người Hungary và ảnh chụp của Man Ray người Mỹ; A. Renger-Patch ở Đức, J. Funke ở Tiệp Khắc và v.v.), thu được mà không cần sử dụng máy ảnh với sự trợ giúp của các vật thể khác nhau được chồng lên giấy nhạy cảm và để lại dấu vết trên đó dưới tác động của ánh sáng. Những thí nghiệm này là cơ sở cho sự phát triển của nhiếp ảnh, làm phong phú thêm kho vũ khí nghệ thuật của nhiếp ảnh; tuy nhiên, việc bác bỏ nguyên tắc đại diện một cách dứt khoát đã mở đường cho sự xâm nhập của các khái niệm chủ nghĩa hiện đại (gần với Chủ nghĩa Dada và Chủ nghĩa Siêu thực trong và các phong trào tiên phong khác). Chiến thắng thực sự của bộ phim tài liệu F. là những con cú. bài luận ảnh của những năm 20 - đầu những năm 30, xuất phát từ nhu cầu về một câu chuyện cụ thể về những chuyển đổi xã hội lớn đang diễn ra trên đất nước. Những sáng tác ảnh của những năm 1920, xuất hiện trên các báo và tạp chí (Tia lửa, Ảnh Xô viết, v.v.), ngay lập tức chiếm một vị trí nổi bật trong số các loại hình nghệ thuật cách mạng đang phát triển nhanh chóng. Mở đầu bằng cú. những nét hiện thực bộc lộ trực tiếp những mặt bệnh của công cuộc xây dựng xã hội chủ nghĩa, thạc sĩ tài liệu F. 20-ies. (M. V. Alpert, B. V. Ignatovich, E. I. Langman, A. M. Rodchenko, S. O. Fridlyand, Ya. N. Khalip, A. S. Shaikhet và những người khác) đã sử dụng một cách khéo léo các kỹ thuật sáng tạo để tạo ra sự biểu cảm trong nhiếp ảnh (các góc khác thường, v.v.), mà không biến chúng thành chính nó (ví dụ, một điểm chụp hàng đầu ngoạn mục giúp nó có thể truyền tải trong bức ảnh quy mô thực sự của những chuyển đổi đang diễn ra trong nước). Cùng với nhiếp ảnh tài liệu, nhiếp ảnh studio phát triển thành công. Bậc thầy về ảnh chân dung nổi bật nhất là M. S. Nappelbaum (ông sở hữu bức ảnh chân dung đầu tiên của V. I. Lê-nin thời Xô Viết; trong số những bậc thầy chụp ảnh Lê-nin khác, người đứng đầu là P. A. Otsup). Trong những năm 20-30. Ngoài ra còn có các nhiếp ảnh gia chân dung A. P. Shterenberg, và các nhiếp ảnh gia phong cảnh N. P. Andreev, Yu. P. Eremin, S. K. Ivanov-Alliluev, K. A. Lishko và A. V. quang học vẽ mềm và các phương pháp in đặc biệt cho phép bạn phát triển các mối quan hệ âm sắc một cách chi tiết. Rodchenko và L. M. Lissitzky, những người đã làm phong phú thêm khả năng nghệ thuật của minh họa sách, áp phích và nghệ thuật thiết kế, là những người sáng tạo ra nhiếp ảnh ứng dụng của Liên Xô (thường sử dụng kỹ thuật photomontage a). Một giai đoạn mới trong quá trình phát triển của loài cú. phim tài liệu F. trở thành phóng sự về thời kỳ Chiến tranh Vệ quốc vĩ đại 1941–45. Cùng với những bậc thầy của thế hệ cũ, D. N. Baltermants, A. S. Garanin, I. E. Ozersky, M. S. Redkin, M. I. Savin, G. Z. Sanko, M. A. Trakhman, E A. Khaldei, IM Shagin, v.v. Sử dụng máy ảnh di động (“Leika”, “FED ”), Các phóng viên quân đội đã lưu giữ cho các thế hệ mai sau một hình ảnh chân thực về cuộc đấu tranh chống chủ nghĩa phát xít của cả nước. Các phóng viên từ các quốc gia khác của liên minh chống Hitler (D. Duncan người Mỹ và những người khác) cũng góp phần tạo ra biên niên sử bằng ảnh về Chiến tranh thế giới thứ hai năm 1939–45. Tài liệu nước ngoài F. Những năm 1950-1970. được đặc trưng bởi sự phát triển đa dạng của thể loại nhiếp ảnh, thường được tạo ra từ chuyến du lịch của các phóng viên ảnh do các cơ quan lớn cử đến các quốc gia khác nhau. Trong số các hình ảnh tư liệu do hiệp hội Magnum cung cấp, các tòa soạn của các tạp chí minh họa như Life và các cơ quan báo chí (United Press International, Associated Press, Reuters, France Press, v.v.), cùng với thông tin nhiếp ảnh được thiết kế để đáp ứng những yêu cầu thấp nhất thị hiếu, có những tác phẩm nghệ thuật chân chính. Các phóng sự ảnh về chiến tranh của V. Bishof, R. Capa, D. Seymour, được tạo ra trong cuộc xâm lược của Mỹ ở Việt Nam và các cuộc chiến tranh khác của những năm 1960, được phân biệt bởi một định hướng chống quân phiệt. Sách ảnh của Pháp. Những bậc thầy của A. Cartier-Bresson, được tạo ra từ những chuyến đi của ông vào những năm 1940 và 1950, thu hút nhờ khả năng thâm nhập điêu luyện của tác giả vào bản chất cuộc sống của các dân tộc khác nhau bằng phương tiện chụp ảnh tư liệu. Kertész, D. Winer , D. Fried, và những người khác. Sự phát triển của làm phim tài liệu ở các nước xã hội chủ nghĩa đã được đánh dấu bằng những thành tựu nổi bật [trong số những bậc thầy hàng đầu là T. Lehr (CHDC Đức), L. Lozhinski (Ba Lan), E. Pardubski (Tiệp Khắc), L. Almasi (Hungary), A. Mihailopol (Romania), I. Skrinsky (Bulgaria)]. Nhiếp ảnh nghệ thuật, trong thế kỷ 19 - đầu thế kỷ 20. (tức là, vào thời điểm không có máy ảnh khổ nhỏ và đặc biệt là các vật liệu nhạy sáng, cản trở sự phát triển của nhiếp ảnh tài liệu) dường như là cách chính và thậm chí là duy nhất để phát triển sự sáng tạo trong nhiếp ảnh, ở giữa của thế kỷ 20. chiếm một vị trí khiêm tốn hơn trong nhiếp ảnh hiện đại. Không giống như chủ nghĩa cảm xúc nhiếp ảnh, dựa trên nguyên tắc tái tạo trực tiếp những ấn tượng của "dòng đời", nhiếp ảnh nghệ thuật tiếp tục tồn tại như một hình thức sáng tạo nhiếp ảnh đặc biệt, trong đó tác giả diễn giải thiên nhiên thông qua tạo ra một môi trường nhân tạo (studio ảnh) hoặc thông qua các loại biến đổi trong phòng thí nghiệm (chụp ảnh, chụp ảnh nhấn mạnh độ tương phản đen trắng bên dưới ảnh chụp, Sự phân cực , các sửa đổi khác nhau của quy trình tích cực (Xem Quy trình tích cực), v.v.). Vào đầu thế kỷ 19 và 20, nhiếp ảnh nghệ thuật đang phát triển, phản ánh một cách nhạy cảm các lĩnh vực mỹ thuật đa dạng, bao gồm nhiều khuynh hướng khủng hoảng của nó. P. Brassai ở Pháp, H. Callaghan, D. Kipis, A. Siskind, A. Weston (tất cả từ Hoa Kỳ) và những người khác, chụp ảnh lớp trát tường cũ, mảnh áp phích, vết nứt trên đường nhựa, v.v., trong khi thay đổi tỷ lệ và kết cấu vượt quá khả năng nhận biết, tạo ra các tác phẩm theo tinh thần nghệ thuật trừu tượng (Xem Nghệ thuật trừu tượng). Các khuynh hướng hướng tới sự hùng vĩ sử thi trong việc giải thích thiên nhiên hoang dã (A. Adams, Hoa Kỳ), chủ nghĩa tâm lý siêu thực (T. del Tin ở Ý, D. Charisiadis ở Hy Lạp), cường độ biểu hiện của hình ảnh (B. Brandt ở Anh) là đặc điểm của chụp ảnh phong cảnh nước ngoài hiện đại. Các tác phẩm của những bậc thầy xuất sắc nhất của Tây Âu và Amer. Đều thấm đẫm chất nhân văn. ảnh chân dung (R. Avedon, Brassai, J. Karsh, E. Steichen, F. Halsman và những người khác). F. Reuter (Ý), W. Rauch (Đức), E. Hartwig (Ba Lan) đã khẳng định mình là những bậc thầy về nhiếp ảnh. Trong những năm 1970 Ảnh hưởng của các hình thức nhiếp ảnh của tầm nhìn nghệ thuật đối với hội họa và nghệ thuật đồ họa đã tăng lên rất nhiều, điều này đã dẫn đến sự xuất hiện của nhiều loại hình được gọi là. chủ nghĩa siêu thực (mà những người đại diện bắt chước F., hy vọng tìm ra lối thoát khỏi sự bế tắc của các xu hướng chủ nghĩa hiện đại mới nhất). Giai đoạn hiện đại trong quá trình phát triển của loài cú. làm phim tài liệu (bắt đầu từ những năm đầu tiên sau chiến tranh) được đặc trưng bởi sự đa dạng đặc biệt của các hình thức thể loại và cách cư xử sáng tạo. Sự xuất hiện của thiết bị mới góp phần vào sự chuyên môn hóa của nhiều bậc thầy trong lĩnh vực nhiếp ảnh và chủ đề nhất định. Mối quan tâm liên tục đến các chủ đề âm nhạc (O. V. Makarov), ba lê (E. P. Umnov), sân khấu kịch (A. S. Garanin), thể thao (I. P. Utkin, V. S. Shandrin), hàng không (V M. Lebedev) cho phép các tác giả đạt được chiều sâu tuyệt vời trong nghĩa bóng tiết lộ tư liệu cuộc sống; Chủ đề về ký ức của các anh hùng trong cuộc Chiến tranh Vệ quốc Vĩ đại được diễn giải một cách ấn tượng bởi các nhiếp ảnh gia đã đi qua các con đường của nó (M. P. Ananyin, V. M. Mastyukov). Thành lập Cơ quan Báo chí Novosti (Xem Cơ quan Báo chí Novosti) (APN), các hoạt động của kênh tin tức TASS, xuất bản một số lượng lớn các tạp chí minh họa (Spark, Liên Xô) , “Thay đổi”, “Màn hình Liên Xô”, v.v.) đã mở rộng “địa lý” của phóng sự ảnh Liên Xô (V. A. Gende-Rote, G. A. Koposov, V. S. Reznikov, V. S. Tarasevich, L. N. Sherstennikov, v.v.). Trong ảnh của nhiếp ảnh tư liệu (chủ yếu ở các thể loại ảnh lớn, chẳng hạn như ảnh tiểu luận), ngày càng nhiều, không chỉ xuất hiện các sự kiện, mà còn xuất hiện các cá nhân con người, được diễn giải với sự thâm nhập sâu vào tâm lý cá nhân của họ. Nhiếp ảnh tài liệu của Liên Xô hiện đại được đánh dấu bởi sự phát triển rực rỡ của cái gọi là. một phóng sự chân dung trong đó một người được chụp không phải trong điều kiện đặc biệt của xưởng ảnh, mà là trong quá trình lao động, trên đường phố, ở nhà. Từ năm 1969 (liên quan đến việc thành lập nhà xuất bản Planet) một thể loại cú mới đang phát triển. phim tài liệu F. [sáng tác sách ảnh - kỷ yếu ("Ảnh-70", v.v.), nhật ký khu vực ("Đèn phía Bắc", 1974, v.v.), các ấn phẩm của tác giả]. Trong số các trường quốc cú. phim tài liệu F., cuối cùng đã thành hình vào những năm 60-70, một trong những địa điểm hàng đầu bị chiếm đóng bởi người Litva (A. Kunchius, A. Maciyauskas, A. Sutkus, và những người khác). Trong lĩnh vực nhiếp ảnh nghệ thuật của Liên Xô những năm 50-70. V. A. Malyshev (ảnh chân dung màu), A. Kochar, R. L. Baran (người sử dụng các hiệu ứng in khác nhau để làm nổi bật các đặc điểm của người được khắc họa), các nhiếp ảnh gia phong cảnh A. M. Perevoshchikov và sử dụng thành công khả năng của màu A. G. Bushkin, V. E. Gippenreiter , LL Sievert, NF Kozlovsky. Các phương pháp photomontage, nhiếp ảnh, kết hợp âm - dương, in bằng các bộ lọc màu và mặt nạ đang được phát triển bởi L. Balodis, V. S. Butyrin, R. Dikhavicius, P. Karpavicius, P. Tooming và những người khác. nhiếp ảnh ứng dụng, thu hút sự chú ý của nhiều nghệ sĩ ảnh (V. F. Plotnikova và những người khác). Lít: Morozov S., Nhiếp ảnh nghệ thuật Nga, M., 1955; của riêng ông, nhiếp ảnh nghệ thuật Liên Xô, M., 1958; của riêng ông, Nghệ thuật để xem, M., 1963; của riêng ông, Nhiếp ảnh giữa các nghệ thuật, [M., 1971]; Nappelbaum M., Từ thủ công đến nghệ thuật, M., 1958; bức ảnh này. Quốc tế thường niên về quảng cáo và biên tập, Z., 1966–; Pawek K. Das Bildaus der Maschine. Skandal und Triumph der Photographic, Olten-Freiburg im Breisgau, 1968; Gernsheim H. và A., Lịch sử của nhiếp ảnh từ máy ảnh obscura đến đầu kỷ nguyên hiện đại, N. Y. ,; Từ điển bách khoa toàn thư về nhiếp ảnh, v. 1–20, N.Y. – Toronto – L .; Một trăm năm lịch sử nhiếp ảnh, Albuquerque (New Mexico), 1975. A. S. Vartanov.  Ngày nay, không ai trong chúng ta nghi ngờ sự thật rằng nhiếp ảnh nghệ thuật là nghệ thuật phản ánh tầm nhìn sáng tạo của người chụp với tư cách là một nghệ sĩ. Tuy nhiên, ngay từ buổi bình minh của sự phát triển của nhiếp ảnh trong vài thập kỷ, vẫn có một câu hỏi gay gắt rằng liệu nhiếp ảnh có thể được coi là nghệ thuật hay chỉ đơn giản là một phương tiện ghi lại và truyền tải thông tin về thế giới xung quanh chúng ta. Trong nhiều năm, nhiếp ảnh đã giành được vị trí riêng của mình trong thế giới nghệ thuật, cùng với điêu khắc, điện ảnh, hội họa và sân khấu. Nhưng giờ đây, bất kỳ nhiếp ảnh gia nào cũng có thể bày tỏ thái độ của mình với thế giới và hiện tượng thông qua các phương tiện nhiếp ảnh như góc chụp, màu sắc, hoặc lựa chọn thời điểm chụp. Khi những bản in ảnh đầu tiên xuất hiện, không ai coi trọng việc chụp ảnh. Cô ấy chỉ được coi là một trò chơi trẻ con và nuông chiều đơn thuần đối với một nhóm người hạn chế. Trong những năm đầu tiên sau khi ra đời, nhiếp ảnh, do những hạn chế về mặt kỹ thuật, không thể khẳng định tài liệu, hay bất kỳ giá trị nghệ thuật nào, hay quyền tự do về giải pháp ánh sáng và tầm nhìn sáng tạo của người chụp. Vào thế kỷ 19, người ta tin rằng chỉ một tác phẩm làm bằng tay mới có thể được xếp vào loại nghệ thuật. Theo đó, các bản in ảnh, được thu thập bằng các phương pháp vật lý và hóa học khác nhau, chỉ đơn giản là không thể khẳng định vị thế của nghệ thuật. Mặc dù thực tế là thế hệ nhiếp ảnh gia đầu tiên đã cố gắng phần nào làm sống động bố cục bức ảnh của họ bằng một số kỹ thuật và cách tiếp cận thú vị, tuy nhiên, nhiếp ảnh vẫn tiếp tục là một trò lố vui nhộn trong mắt dư luận. Nhiếp ảnh thời đó bị các nhà phê bình coi chỉ là một bản sao máy móc của thực tế, có khả năng chỉ là một hình thức hội họa nghệ thuật. Cho đến những năm 1920 và 1930, các bài báo và ấn phẩm đã nghiêm túc xem xét câu hỏi liệu nhiếp ảnh có phải là một nghệ thuật hay nó chỉ là một kỹ năng ứng dụng, thực tế, trong đó kỹ thuật đóng vai trò quan trọng chứ không phải bản thân người chụp. Có một số giai đoạn phát triển của nhiếp ảnh như một nghệ thuật. Ngay cả vào buổi bình minh của sự phát triển của nhiếp ảnh, nó không khác nhiều so với hội họa, đó là các nhiếp ảnh gia đã cố gắng sử dụng các kỹ thuật hình ảnh mà họ đã biết trong nhiếp ảnh. Họ quay chủ yếu là những đồ vật hoành tráng, bất động. Những bản in ảnh đầu tiên như vậy thuộc về thể loại chân dung hoặc phong cảnh. Ngoài ra, do sự xuất hiện của ngành công nghiệp báo chí vào thế kỷ 19, nhiếp ảnh đã chiếm lĩnh vị trí thích hợp của một bằng chứng tài liệu đơn giản về các sự kiện nhất định. Có thể nói rằng vào thời điểm đó không có gì phải bàn cãi về tính biểu cảm và tính nghệ thuật của nhiếp ảnh. Khi nào nhiếp ảnh thực sự trở thành nghệ thuật? Có lẽ không có ngày chính xác có thể được đưa ra. Nhưng các nhà sử học nhiếp ảnh ghi nhận cho mình một sự kiện quan trọng đã xảy ra vào năm 1856. Sau đó, Oscar G. Reilander người Thụy Điển đã thực hiện một bản in kết hợp độc đáo từ ba mươi bản âm bản đã được chỉnh sửa khác nhau. Bức ảnh của anh ấy, có tựa đề “Hai con đường của cuộc đời”, dường như mô tả một câu chuyện cổ về sự gia nhập cuộc sống của hai người trẻ tuổi. Một trong những nhân vật chính trong bức ảnh hướng đến nhiều đức tính khác nhau, lòng nhân từ, tôn giáo và nghề thủ công, trong khi người còn lại thì thích những thứ quyến rũ tội lỗi của cuộc sống như cờ bạc, rượu chè và vô luân. Bức ảnh ngụ ngôn này ngay lập tức được biết đến rộng rãi. Và sau cuộc triển lãm ở Manchester, chính Nữ hoàng Victoria đã mua lại bức ảnh của Reilander cho bộ sưu tập của Hoàng tử Albert. Bức ảnh kết hợp này có thể được coi là một trong những tác phẩm độc lập đầu tiên liên quan đến nhiếp ảnh. Tất nhiên, cách tiếp cận sáng tạo của Oscar G. Reilander dựa trên nền tảng giáo dục lịch sử nghệ thuật cổ điển mà ông nhận được tại Học viện La Mã. Trong tương lai, nhiều thử nghiệm khác nhau với photomontage, và với sự phát triển của chế độ phơi sáng kép, và chụp ảnh đa phơi sáng tuyệt đẹp đã gắn liền với tên tuổi của ông. Công việc của Reilander được tiếp tục bởi nghệ sĩ và nhiếp ảnh gia tài năng Henry Peach Robinson, người đã trở nên nổi tiếng với bức ảnh tổng hợp "Rời bỏ", được làm từ năm bản âm bản. Bức ảnh nghệ thuật này cho thấy một cô gái chết trên ghế, chị gái và mẹ cô ấy đang khóc thương cô ấy, còn cha cô ấy nhìn ra cửa sổ đang mở. Bức ảnh "Rời bỏ" bị chỉ trích vì bóp méo sự thật, tuy nhiên, vẫn được phổ biến rộng rãi. Nó ngay lập tức được hoàng gia Anh mua lại, và Thái tử thậm chí còn cho Robinson chỉ định in một bức ảnh như vậy. Bản thân Robinson đã trở thành người dẫn đầu về cái gọi là nhiếp ảnh bằng ảnh ở Anh và Châu Âu. Hướng nghệ thuật nhiếp ảnh này đã chiếm một vị trí thống trị trong nhiếp ảnh cho đến thập kỷ đầu tiên của thế kỷ 20. Nhiều kỹ thuật và hiệu ứng hình ảnh đã được sử dụng trong nhiếp ảnh. Phải nói rằng nhiếp ảnh không thể để lâu “cái bóng” của hội họa. Tuy nhiên, sự phát triển của nhiếp ảnh như một môn nghệ thuật độc lập vào đầu thế kỷ trước đã được tạo điều kiện rất nhiều nhờ các cuộc triển lãm thường xuyên, nơi cùng với những bức ảnh đẹp đơn giản, người xem còn có thể nhìn thấy những bức ảnh thú vị xứng đáng với danh hiệu “tác phẩm nghệ thuật”. Một trong những triển lãm quốc tế sớm nhất như vậy là Phòng trưng bày Nhiếp ảnh 291 được đặt tên khiêm tốn, do Alfred Stieglitz mở vào năm 1905 tại New York. Đây là một triển lãm thực sự về nghệ thuật đương đại, nơi tên tuổi của các nghệ sĩ nổi tiếng đứng ngang hàng với các nhiếp ảnh gia. Đầu những năm 1920 và 1930, một thời kỳ mới bắt đầu trong nhiếp ảnh, liên quan trực tiếp đến việc sản xuất hàng loạt báo và tạp chí. Nhiếp ảnh thay đổi phong cách thiên về chụp ảnh tài liệu và phóng sự. Hiện thực tài liệu và nghệ thuật dần dần hòa quyện vào nhau trong nhiếp ảnh thành một tổng thể duy nhất. Một thế hệ nhiếp ảnh gia mới đã xuất hiện, những người hàng ngày đã làm nên lịch sử của đất nước họ và cả thế giới thông qua phóng sự và ảnh tư liệu. Trong thời kỳ này, tính biểu cảm nghệ thuật với một thành phần tư tưởng và xã hội có mối liên hệ chặt chẽ với nhau trong nhiếp ảnh. Nhiếp ảnh trở thành vật mang một sự thật lịch sử nào đó, phản ánh những sự kiện có thật. Không phải không có lý do, trong những năm 1920 và 1930, nhiều áp phích, album ảnh và tạp chí có giá trị đặc biệt. Chính trong những năm này, các cộng đồng và xã hội của các nghệ sĩ ảnh bắt đầu xuất hiện, những người đã tìm cách biến nhiếp ảnh thành một loại hình nghệ thuật tự cung tự cấp. Tuy nhiên, ở nước ta, những quá trình tích cực này đã thực sự bị đóng băng vào cuối những năm 1930. Bức Màn Sắt đã cô lập nhiếp ảnh trong nước trong một thời gian dài với xu hướng của đời sống nghệ thuật quốc tế. Các nhiếp ảnh gia tài năng của Liên Xô buộc phải chỉ làm việc với phóng sự ảnh hiện thực xã hội chủ nghĩa. Trong Chiến tranh thế giới thứ hai, nhiều người trong số họ đã đến thăm các chiến trường và có thể ghi lại trên phim những khoảnh khắc đáng nhớ của chiến thắng vĩ đại. Trong những năm 1960 và 1970, những bức ảnh một lần nữa được coi là những tác phẩm nghệ thuật độc lập. Đây là kỷ nguyên của chủ nghĩa ảnh thực và những thử nghiệm táo bạo với nhiều công nghệ nhiếp ảnh và kỹ thuật nghệ thuật khác nhau. Bắt đầu từ khoảng thời gian này, tất cả các lĩnh vực nhiếp ảnh, vốn được công chúng chú ý, cuối cùng đã nhận được quyền được trình bày như một giá trị nghệ thuật độc lập trong nghệ thuật. Các thể loại nhiếp ảnh mới đang xuất hiện, trong đó ý định của tác giả và tầm nhìn sáng tạo của người chụp trở thành thời điểm then chốt. Các nhiếp ảnh gia nổi tiếng thời đó trong công việc nghệ thuật của họ bắt đầu đề cập đến các vấn đề xã hội mang tính biểu tượng như bất bình đẳng xã hội, nghèo đói, bóc lột lao động trẻ em và nhiều vấn đề khác. Chúng ta nợ một cuộc cách mạng khác trong ngành nhiếp ảnh là sự chuyển đổi từ phim sang máy ảnh kỹ thuật số. Định dạng hình ảnh kỹ thuật số đã cho phép các nhiếp ảnh gia rời xa khỏi việc phản ánh thực tế xung quanh họ một cách đơn giản. Với sự ra đời của máy ảnh kỹ thuật số, máy tính và trình chỉnh sửa đồ họa, nhiếp ảnh gia có cơ hội biến đổi hình ảnh của mình theo cách để người xem có cơ hội làm quen với tầm nhìn sáng tạo của người tạo ra hình ảnh và đắm mình trong cái không thực của anh ta. thế giới. Mặc dù ngày nay nhiếp ảnh đã trở thành một hiện tượng đại chúng, nhưng tính chọn lọc và “tầm nhìn” cá nhân đặc biệt vẫn rất quan trọng đối với nhiếp ảnh như một nghệ thuật, cho phép một người tạo ra một tác phẩm nghệ thuật thực sự bằng cách sử dụng các phương tiện nhiếp ảnh. Mặc dù thực tế là một chiếc máy ảnh kỹ thuật số có thể chụp vài trăm bức ảnh trong vài phút, tất nhiên, không phải khung hình nào cũng có thể được xếp vào loại nghệ thuật. Một nhiếp ảnh gia hiện đại thể hiện tầm nhìn của mình về thế giới hoặc ý định của tác giả thông qua cách nhìn thấy trước, cách chơi khéo léo của ánh sáng và bóng tối, sự lựa chọn tốt thời điểm chụp và các kỹ thuật khác. Như vậy, trung tâm của nhiếp ảnh vẫn là nhiếp ảnh gia, không phải kỹ thuật viên. Chỉ một người mới có khả năng đưa một phần thế giới nội tâm của mình vào ảnh để bức ảnh được “bội thực” những cảm xúc mới và bộc lộ được tài năng của chính người chụp. Nghệ thuật là sự phản ánh sáng tạo, tái hiện hiện thực bằng hình tượng nghệ thuật. Vào thời điểm ra đời của nhiếp ảnh, giới thẩm mỹ bị chi phối bởi quan điểm rằng chỉ một tác phẩm làm bằng tay mới có thể là nghệ thuật. Hình ảnh của thực tế, thu được với sự trợ giúp của các phương pháp vật lý và hóa học kỹ thuật, thậm chí không thể khẳng định tình trạng như vậy. Và mặc dù những nhiếp ảnh gia đầu tiên, những người hướng đến tính nghệ thuật của hình ảnh, đã thể hiện sự khéo léo về mặt bố cục đáng kể để mô tả thực tế (đôi khi thay đổi nó không thể nhận ra được), nhiếp ảnh không phù hợp với hệ thống các giá trị xã hội và ưu tiên như một trong những suy nghĩ một thời gian dài. Tuy nhiên, tất cả các loại "nghệ thuật kỹ thuật" hiện đại đều trải qua một quá trình phát triển tương tự: vào thời kỳ đầu tồn tại, chúng là một loại hấp dẫn gây cười, sau đó là phương tiện kỹ thuật để truyền thông tin, và chỉ trong quá trình tạo ra nghệ thuật mới, có một chuyển đổi sang các chức năng giao tiếp và nghệ thuật. Tuy nhiên, điều này không có nghĩa là vấn đề về mối quan hệ giữa nhiếp ảnh và nghệ thuật không được thảo luận. Họa sĩ người Pháp Delaroche (1797-1856), nhấn mạnh những khả năng mà nhiếp ảnh mang lại, đã viết: "Hội họa đã chết từ ngày nay." Ngược lại, một tạp chí của Đức lại lập luận ngược lại: "... Khám phá về nhiếp ảnh có tầm quan trọng cao đối với khoa học và rất hạn chế đối với nghệ thuật." Năm 1913, tạp chí Riga về nhiếp ảnh thực tế và nghệ thuật "Rays" ("Stari") xuất bản một số đặc biệt. bài báo "Photography and Art" đã thảo luận về câu hỏi liệu nhiếp ảnh có phải là nghệ thuật hay chỉ là một kỹ năng ứng dụng thực tế, trong đó việc làm chủ công nghệ đóng vai trò chính. Tác giả của bài báo này đã đưa ra kết luận rằng câu hỏi liệu nhiếp ảnh có phải là nghệ thuật hay không sẽ vẫn còn nguyên giá trị chừng nào nhiếp ảnh còn tồn tại. Câu hỏi về khía cạnh kỹ thuật không phải là mới đối với nghệ thuật, chỉ trong nhiếp ảnh, nó mới thể hiện từ khía cạnh lịch sử mới. Sở hữu thiết bị chụp ảnh, thành thạo kỹ năng ở đây trông giống như một nhiệm vụ dễ dàng hơn, chẳng hạn như thành thạo kỹ thuật chơi một loại nhạc cụ. Sự nhẹ nhàng này là điều khiến các nhà phê bình hiểu nhầm rằng nhiếp ảnh là một nghệ thuật. Những năm đầu tiên sau khi xuất hiện, nhiếp ảnh được dư luận và các chuyên gia từ nhiều lĩnh vực văn hóa xếp vào loại trò lố vui nhộn. Nhiếp ảnh của thời kỳ này chưa có chất lượng tư liệu, hoặc tính thông tin, hoặc sự tự do của các giải pháp và phát hiện ánh sáng, tức là không có đặc điểm nào trong số đó mà lý thuyết ngày nay coi là định nghĩa cho nhiếp ảnh. Sự phát triển của nhiếp ảnh phần lớn do nhu cầu xã hội quyết định. Sự nổi lên của ngành công nghiệp báo chí đã thúc đẩy nhiếp ảnh trở thành xu hướng chính của phóng sự. Vào thời điểm những bức “ảnh chuyển động” (điện ảnh) đầu tiên xuất hiện trên nền tảng của nhiếp ảnh, bản thân bức ảnh là một bằng chứng tư liệu khiêm tốn, kém hơn về tính biểu cảm và độ tinh xảo so với hội họa và đồ họa. Những tranh cãi về lý thuyết liên tục nảy sinh xung quanh nhiếp ảnh: liệu có thể so sánh nhiếp ảnh với hội họa về giá trị nghệ thuật? Không phải nhiếp ảnh là một bức tranh thoái hóa, vì kỹ thuật nào thay thế được kỹ năng của người nghệ sĩ? Nhưng đây chẳng qua là sự đặt cạnh nhau của hai hiện tượng của đời sống nghệ thuật, hai loại hình nghệ thuật, rõ ràng là hút nhau về phía nhau và tác động qua lại lẫn nhau. Nhiếp ảnh giải phóng hội họa khỏi một chức năng thực dụng - một sự định hình bằng hình ảnh về thực tế, ngay cả trong thời kỳ Phục hưng, là một trong những nhiệm vụ quan trọng nhất của hội họa. Có thể nói, nhiếp ảnh đã giúp hội họa phát triển, góp phần xác định đầy đủ tính đặc thù độc đáo của nó. Nhưng nhiếp ảnh cũng tiếp thu rất nhiều từ kinh nghiệm hàng thế kỷ trong quá trình phát triển mỹ thuật. Chính tầm nhìn về thế giới "trong khung" là một di sản của hội họa. Khung tranh là bảng phân cảnh hiện thực đầu tiên trong lịch sử văn hóa. Ngắn trước và xây dựng phối cảnh, khả năng người xem "đọc" một bức ảnh như một hình ảnh phẳng của không gian ba chiều - tất cả những điều này tạo nên di sản văn hóa tuyệt vời mà nhiếp ảnh được thừa hưởng từ hội họa. Ảnh hưởng của hội họa đối với nhiếp ảnh là rất lớn. Đồng thời, nhiệm vụ của nhiếp ảnh là mơ hồ: một mặt, tách biệt hoàn toàn càng nhiều càng tốt khỏi hội họa và xác định ranh giới của chính nó, mặt khác, để làm chủ hoàn toàn nhất kinh nghiệm nghệ thuật hội họa trên cơ sở của chính mình. . Nhiếp ảnh không phải là tấm gương phản chiếu thế giới, người nghệ sĩ nhiếp ảnh có thể bày tỏ thái độ cá nhân của mình đối với hiện tượng được chụp trong ảnh thông qua góc chụp, sự phân bố ánh sáng, khả năng chọn đúng thời điểm để chụp, v.v. Nhiếp ảnh gia tích cực liên quan đến đối tượng được làm chủ về mặt thẩm mỹ không kém gì nghệ sĩ trong bất kỳ hình thức nghệ thuật nào khác. Kỹ thuật nhiếp ảnh tạo điều kiện và đơn giản hóa việc mô tả thực tế. Về mặt này, có thể thu được hình ảnh đáng tin cậy với thời gian tối thiểu để làm chủ quá trình chụp. Điều tương tự không thể nói về hội họa. Các phương tiện kỹ thuật của nhiếp ảnh đã giảm đến mức thấp nhất chi phí của nỗ lực của con người để có được một hình ảnh đáng tin cậy: mọi người đều có thể sửa chữa đối tượng đã chọn của họ. Về mặt công nghệ chụp ảnh do thiết bị chụp ảnh phụ trách. Có truyền thống và các thông số cụ thể của nghề thủ công ở đây. Tuy nhiên, mục đích của kỹ thuật này là khác nhau: không để đảm bảo hiệu quả đầy đủ của "bắt chước", mà ngược lại, một sự xâm phạm, một sự biến dạng có mục đích của màn hình để làm nổi bật bản chất và ý nghĩa của mối quan hệ giữa con người với hiển thị. Các tranh luận về bản chất nghệ thuật của nhiếp ảnh có thể chủ yếu ở khía cạnh tìm kiếm và khẳng định những điểm tương đồng cơ bản với các loại hình nghệ thuật truyền thống và trên phương diện nhận biết những đặc điểm cơ bản của nhiếp ảnh, sự khác biệt cơ bản của nó so với các loại hình nghệ thuật truyền thống. Mỗi khía cạnh của nghiên cứu này đều có logic nội tại của riêng nó, và chỉ sự kết hợp hài hòa của chúng mới cho phép ít nhiều xác định một cách khách quan các khả năng và bản chất nghệ thuật của nhiếp ảnh. Trải nghiệm về vẻ đẹp, sự hài hòa, cảm giác thích thú, tác động của ảnh hưởng cá nhân và giáo dục nói lên tính nghệ thuật của tác phẩm. Đặc thù của nhiếp ảnh như một loại hình nghệ thuật là tài liệu, tính chân thực của hình ảnh, khả năng lưu giữ khoảnh khắc. Bằng cách tập trung sự chú ý vào một tác phẩm nhiếp ảnh, người ta có thể chỉ ra một số đặc điểm quan trọng tiết lộ các tính năng của nhiếp ảnh. Mỗi đặc điểm được xác định của bức ảnh có thể được kèm theo một lời bình chi tiết. Nhiệm vụ xác định bản chất của nhiếp ảnh với tư cách là một loại hình nghệ thuật là: thứ nhất, xác định mức độ có thể trừu tượng hóa từ bản chất của chất liệu để tạo ra một hình ảnh nghệ thuật và thứ hai, nghệ thuật có chức năng xã hội và văn hóa như thế nào. hình thức thực hiện, tức là tác phẩm được sửa chữa sạch sẽ và đầy đủ như thế nào là do ý thức tự giác của người nghệ sĩ, cũng như của dư luận xã hội. Tính đặc thù của hình tượng nghệ thuật trong nhiếp ảnh nằm ở chỗ nó là hình ảnh tư liệu có ý nghĩa. Nhiếp ảnh mang đến một hình ảnh kết hợp tính biểu cảm nghệ thuật với tính chân thực và thể hiện khoảnh khắc thiết yếu của thực tế trong một hình ảnh đông lạnh. Thông thường, bức ảnh chụp là một bài luận. Sự thật cuộc sống trong nhiếp ảnh được chuyển từ lĩnh vực hoạt động sang lĩnh vực nghệ thuật mà hầu như không có quá trình xử lý và thay đổi bổ sung. Tuy nhiên, nhiếp ảnh có thể lấy chất liệu quan trọng và, như nó vốn có, đảo ngược thực tế, buộc chúng ta phải nhìn và nhận thức nó theo một cách mới. Mô hình được lưu ý hoạt động ở giao điểm của các ý nghĩa thông tin-giao tiếp và giao tiếp-nghệ thuật của nó: một sự thật trần trụi có thể được quy cho phạm vi thông tin, nhưng sự giải thích nghệ thuật của nó sẽ là một hiện tượng thuộc một trật tự khác. Và chính thái độ thẩm mỹ của người chụp đối với thực tế được quay sẽ quyết định kết quả cuối cùng và hiệu quả của bức hình. Nhìn nhận nhiếp ảnh từ khía cạnh nghệ thuật, cần phải dựa trên bản chất tài liệu của nó. Nhiếp ảnh bao gồm cả chân dung nghệ thuật của một tác phẩm báo chí đương đại, và ảnh báo chí nhất thời (tài liệu) và phóng sự ảnh. Tất nhiên, không thể đòi hỏi tính nghệ thuật cao ở mỗi bức ảnh thông tin chính thống, nhưng cũng không thể chỉ xem thông tin video và một tư liệu ảnh trong mỗi tác phẩm mang tính nghệ thuật cao. Tư liệu, chân thực, thực tế - đây là điều chính trong nhiếp ảnh. Tính chất cơ bản này nằm ở lý do cho ảnh hưởng toàn cầu của nhiếp ảnh đối với nền văn hóa hiện đại. Các phẩm chất khác của nhiếp ảnh, các tính năng của nó, tầm quan trọng của chúng đối với nền văn hóa nói chung, kết tinh khi so sánh giữa nhiếp ảnh và các loại hình nghệ thuật riêng lẻ. Tính độc đáo là phẩm chất lần đầu tiên thâm nhập vào văn hóa nghệ thuật với sự ra đời của nhiếp ảnh. Được sử dụng trong các loại hình nghệ thuật khác nhau, chất lượng này, mỗi lần bị khúc xạ thông qua tính đặc trưng của chúng, lại hình thành một số dẫn xuất mới của chính nó. Từ các hình thức nghệ thuật khác, những dẫn xuất này, làm phong phú thêm tư liệu, quay trở lại nhiếp ảnh, mở rộng và phong phú không chỉ quỹ văn hóa nghệ thuật, mà còn cả những khả năng thực hành thẩm mỹ của nhiếp ảnh như một loại hình nghệ thuật. Nhiếp ảnh phi nghệ thuật, tức là ảnh tài liệu về mặt kỹ thuật được sử dụng và ảnh báo chí về mặt chức năng, ngoài việc cung cấp thông tin, còn mang tính thẩm mỹ. Phóng viên ảnh, như bạn biết, trực tiếp hấp dẫn phim tài liệu, vốn có trong nhiếp ảnh và tất cả các thể loại của nó ngay từ khi mới sinh ra. Tuy nhiên, thuộc tính này được sử dụng khác nhau tùy thuộc vào nhiệm vụ. Trong những trường hợp nói đến biên niên sử ảnh - thông tin tận tâm, đầy đủ, chính xác theo giao thức về một sự kiện - thì tính cá nhân của tác giả bức ảnh không tự bộc lộ. Nó hoàn toàn phụ thuộc vào sự cố định của thực tế, độ tin cậy cuối cùng của sự phản ánh của nó. Một điều nữa là phóng viên ảnh. Ở đây nhiếp ảnh gia cũng đề cập đến các sự kiện của thực tế, tuy nhiên, phần trình bày của họ về cơ bản được thực hiện trong tầm nhìn của tác giả, chúng được tô màu bởi đánh giá cá nhân của tác giả. Tài liệu và nghệ thuật trong lĩnh vực nhiếp ảnh hòa nhập, chồng chéo lẫn nhau. Nhìn chung, nhiếp ảnh hiện đại tồn tại trong sự thống nhất của tất cả các khía cạnh của nó - tư tưởng và nghệ thuật, ngữ nghĩa và biểu cảm, xã hội và thẩm mỹ. Các khía cạnh riêng biệt của nhiếp ảnh với tư cách là một loại hình nghệ thuật được thể hiện trong việc lựa chọn màu sắc, phong cách nghệ thuật, thể loại, ngôn ngữ hình ảnh, ... Màu sắc là một trong những thành phần quan trọng nhất của nhiếp ảnh hiện đại. Nó nảy sinh trong nhiếp ảnh dưới ảnh hưởng của mong muốn đưa hình ảnh nhiếp ảnh đến gần với các dạng vật thể thực. Màu sắc làm cho hình ảnh bức ảnh trông chân thực hơn. Yếu tố này đầu tiên gây ra nhu cầu về khung màu, và sau đó đã thúc đẩy sự phát triển của nhiếp ảnh màu. Đáng chú ý ở đây là ảnh hưởng của truyền thống hội họa, trong đó việc sử dụng màu sắc đã hình thành ý nghĩa trong lịch sử ngày càng tăng. Dựa trên kinh nghiệm chụp ảnh màu, chúng ta có thể hình thành các quy tắc sử dụng màu sắc trong nhiếp ảnh. Điều đầu tiên trong số chúng là chỉ chụp bằng màu khi nó có tầm quan trọng cơ bản, khi không có màu thì không thể truyền tải được những gì đã định. Quy tắc thứ hai: tính biểu tượng của màu sắc, ánh sáng, cách chơi của các tông màu và sắc thái, được tích lũy và tích lũy bởi xu hướng văn hóa trước đó, kinh nghiệm của các loại hình nghệ thuật cũ - hội họa, sân khấu và các loại hình kỹ thuật liên quan sau này - điện ảnh và truyền hình, có thể phát huy hiệu quả được sử dụng trong nhiếp ảnh. Quy tắc thứ ba: sử dụng sự tương phản màu sắc để tạo ra sự tương phản về ngữ nghĩa. Nhiếp ảnh chưa hoàn toàn làm chủ được màu sắc. Cô ấy sẽ phải hấp thụ đầy đủ hơn toàn bộ bảng màu của thế giới. Màu sắc nên được nhiếp ảnh làm chủ về mặt thẩm mỹ, và trở thành phương tiện không chỉ của hình ảnh mà còn của sự hiểu biết khái niệm về thực tế. Phong cách nghệ thuật là một vấn đề đặc biệt trong lý thuyết và thực hành nhiếp ảnh. Nó không được giải quyết trong khuôn khổ của câu hỏi về thể loại. Theo khía cạnh thực nghiệm, phong cách này là cả khung màu phấn, màu nước, và các tác phẩm nhiếp ảnh nghiêm ngặt về mặt đồ họa, và các hình ảnh "sơn dầu" tổng quát, cho đến việc bắt chước hoàn toàn bức tranh trên canvas bằng các phương tiện nhiếp ảnh. Về mặt lý thuyết, vấn đề về phong cách trong thẩm mỹ rõ ràng là chưa được phát triển đầy đủ, và nó có thể được xác định trong mối quan hệ với nhiếp ảnh. Trong nhiếp ảnh, cả sự hiện diện và vắng bóng của phong cách nghệ thuật đều thể hiện rất rõ. Một thước phim tư liệu và tự nhiên sẽ thể hiện một cách tỉ mỉ tất cả những điều nhỏ nhặt và chi tiết đã lọt vào không gian của ống kính. Nhưng nó sẽ là một sự hỗn loạn không có tổ chức của tầm nhìn. Nếu một bức tranh như vậy được chụp từ góc nhìn của tác giả, về mặt nghệ thuật, được trang trí một cách kiểu cách, thì một tác phẩm hoàn toàn khác sẽ ra đời. Chiều hướng, bản chất và độ mạnh của tác giả lệch khỏi "tấm gương", nhiếp ảnh tự nhiên, thuần túy phản chiếu quyết định phong cách trong tác phẩm nhiếp ảnh. Nó có thể hoàn toàn là cá nhân hoặc tương ứng với một trường phái, truyền thống, chương trình nghệ thuật nhất định. Thời gian trong một khung không phải là rõ ràng, một chiều. Ở đây, hai lớp chính được phân biệt, giống như nó, được hợp nhất một cách tổng hợp. Các lớp này là tức thời và hoành tráng, mặc dù có mối tương quan phân cực, nhưng lại phụ thuộc lẫn nhau. Thế giới nghệ thuật được thống nhất trong sự thống nhất hài hòa của mọi thành phần, mọi chi tiết của nhiếp ảnh nghệ thuật. Nhiếp ảnh liên quan đến sự hiện diện của một nhiếp ảnh gia-nghệ sĩ. Nó đòi hỏi sự chọn lọc cẩn thận, một “tầm nhìn” cá nhân đặc biệt cho phép bạn phân biệt những gì đáng chú ý với những gì bên ngoài, ngẫu nhiên, không đầy đủ. Không phải mọi khung hình được chụp đều trở thành một tác phẩm nghệ thuật và hiển nhiên, không phải thước phim nào cũng tạo nên một tác phẩm nhiếp ảnh thành công. Cũng giống như một nghệ sĩ liên tục, hàng ngày tạo ra các bản phác thảo, một nghệ sĩ ảnh rèn luyện con mắt của mình, tầm nhìn ảnh của mình về thế giới. Công việc hàng ngày cho phép đánh bóng kỹ thuật biểu diễn và phát triển các nguyên tắc ổn định về tinh thần, đạo đức và thái độ thẩm mỹ đối với các đối tượng có thể có của nghệ thuật nhiếp ảnh. Một nhiếp ảnh gia phải có nhiều tố chất. Anh ta phải là một nhà tâm lý học, thấu hiểu tính cách của người được miêu tả, nắm bắt khoảnh khắc bộc lộ bản thân, có thể tìm ra bí mật của bản thân trong tư thế, nét mặt, nét mặt, bối cảnh và góc trình bày để có thể trọn vẹn. bộc lộ thế giới nội tâm và thái độ của anh ấy đối với anh ấy. Người chụp phải có kiến thức sâu rộng về cuộc sống, các khía cạnh khác nhau của nó. Bằng cách làm việc một cách có hệ thống và nhất quán về chủ đề, tạo ra một vòng tuần hoàn của các tác phẩm, bậc thầy không chỉ ghi lại những khoảnh khắc tư liệu mà cuối cùng biến thành giá trị lịch sử. Nó không chỉ tạo ra một ngân hàng dữ liệu hình ảnh thông tin, mà tùy theo tính chất xã hội học, dân tộc học, lịch sử mà có thể được sử dụng theo những cách khác nhau. Anh ấy không chỉ tạo ra một tác phẩm nghệ thuật mà còn đóng vai trò là một nhà nghiên cứu một chủ đề nhất định, sử dụng một hình thức nhận thức luận thú vị và phong phú như nhiếp ảnh. Đồng thời, nó biến thành một phương pháp nghệ thuật tri thức và đánh giá về hiện tượng đã quay. Đối mặt với nhiếp ảnh gia, một người đàn ông của công nghệ và thẩm mỹ, một người yêu thích sự chính xác, rõ ràng và một người đàn ông có cảm hứng trào dâng, một người đàn ông của cảm xúc và chiêm nghiệm, có thể nhìn thấy hình ảnh và sự hài hòa, phải được thống nhất và tổng hợp lại, nhiếp ảnh gia đóng vai trò như một biên niên sử của thời đại, điều này đặt ra cho anh ta một trách nhiệm đặc biệt. Một lĩnh vực chưa phát triển mở ra trước mắt anh ta, trong đó cần phải đặt các đường đi và lối đi, để đánh dấu các khu vực được phân định bởi các chức năng khác nhau của nhiếp ảnh. Thẩm mỹ không cung cấp cho người nghệ sĩ một công thức và không đảm bảo thành công. Nó chỉ đưa ra các hướng dẫn cho việc tìm kiếm, kết quả cuối cùng phụ thuộc vào tài năng và công việc của tác giả. Ở giai đoạn cuối cùng của quá trình sáng tạo, tính thẩm mỹ giúp phát triển khả năng đánh giá nghệ thuật của hình ảnh. Phê bình có vai trò quan trọng đối với sự phát triển của nhiếp ảnh, bao gồm cả lý luận và tư duy phản biện của chính người chụp. Phê bình và lý thuyết, miễn là chúng có thẩm quyền và có thẩm quyền, có thể ngăn chặn những tranh chấp nghiệp dư gây cản trở và làm mất lòng tin của cả người chụp và người xem. Đối với chủ nghĩa quang học, điều quan trọng là phải coi nhiếp ảnh một cách toàn diện là một hiện tượng nghệ thuật xã hội. Một số khía cạnh của phân tích phê bình bao gồm: xã hội học, nghiên cứu văn hóa, tâm lý học, nhận thức luận, tiên đề học, ký hiệu học và mỹ học của nhiếp ảnh. Khi tính đến các khía cạnh khác nhau của nhiếp ảnh nghệ thuật, người ta có thể hình thành bản chất của nó, hãy thử định nghĩa nhiếp ảnh. Ảnh nghệ thuật là việc tạo ra hình ảnh trực quan có giá trị tư liệu bằng kỹ thuật và hóa học, thể hiện một cách nghệ thuật và ghi lại chân thực khoảnh khắc quan trọng của thực tế trong một hình ảnh đông lạnh. Trong nhiếp ảnh, một số xu hướng được xác định khá rõ ràng đã kết tinh: dân tộc học-xã hội học, phóng sự, quảng cáo áp phích, nghệ thuật-kiến tạo, trang trí, biểu tượng-khái niệm, trường phái ấn tượng. Mỗi hướng này thực hiện chức năng giao tiếp và văn hóa cụ thể, được xác định rõ ràng. Các hướng này không loại trừ lẫn nhau. Thông thường, cùng một nhiếp ảnh gia, làm việc ở một số nơi trong số họ. Điều rất quan trọng cần ghi nhớ là bán chức năng của nhiếp ảnh nghệ thuật, vì vậy, ví dụ, chức năng nghệ thuật và xây dựng của nó không loại trừ chức năng dân tộc học và xã hội học, và ngược lại, để khái niệm về hình ảnh đi đôi với nhau với truyền thống dân tộc. Cũng giống như bất kỳ loại hình nghệ thuật nào, nhiếp ảnh cũng tuân theo những quy luật chung của sự phát triển của nghệ thuật, ý thức và thế giới quan nghệ thuật. Hình tượng nghệ thuật về mặt lịch sử phát triển trên cơ sở nhận thức thực tế một cách kinh nghiệm và phản ánh sự hình thành và phát triển của trung gian văn hóa và ngữ nghĩa giữa nghệ sĩ và thế giới bên ngoài. Sự phát triển của bất kỳ loại hình nghệ thuật nào có thể được xem như sự tự nhận thức về chức năng văn hóa của chính nó, tức là sự hình thành sự tự nhận thức về nghệ thuật trong khuôn khổ của một loại hình nghệ thuật nhất định. Đối với nhiếp ảnh, điều này có nghĩa là, tiếp xúc với thực tế hiện đại cùng với nhiếp ảnh dân tộc học - xã hội học, phóng sự, áp phích, người nghệ sĩ - nhiếp ảnh gia nhất thiết phải tiếp tục phát triển và đào sâu hình tượng nghệ thuật trong khuôn khổ của nhiếp ảnh tượng trưng - ý niệm. Theo nghĩa này, nhiếp ảnh khái niệm, như nó vốn có, là kết quả của cuộc đời nghệ thuật và kinh nghiệm cá nhân, nhờ đó nhiếp ảnh gia trở thành bậc thầy và tạo ra những giá trị lâu dài. Nhưng điều khác xảy ra từ điều này: tất cả các hướng và thể loại nhiếp ảnh nghệ thuật tạo nên tính đặc trưng không thể thiếu của nhiếp ảnh như một loại hình nghệ thuật, và chỉ khi hiểu được các tính năng và khả năng nghệ thuật của từng loại hình này thì mới có thể tạo ra một ý tưởng tích lũy và toàn vẹn về Nhiếp ảnh như một hình thức nghệ thuật mới, hiện đại, theo một số cách tiêu biểu cho sự hiểu biết hiện có về nghệ thuật, và theo một số cách giới thiệu những điều chỉnh về lịch sử và ngữ nghĩa của chính nó đối với sự hiểu biết về hệ thống, mối quan hệ và chức năng của các loại hình nghệ thuật cả trong khuôn khổ của văn hóa nghệ thuật và trong khuôn khổ của văn hóa hiện đại nói chung. Kurichev Andrey Tác phẩm giáo dục và nghiên cứu được viết như một phần của nghiên cứu bổ sung về nghệ thuật đương đại. Chủ đề rất thú vị cho lứa tuổi này. Học sinh đã cố gắng khám phá ở cấp độ của mình lịch sử xuất hiện của một loại hình nghệ thuật như "nhiếp ảnh". Một thiếu niên trả lời những câu hỏi như “Liệu nhiếp ảnh có phản ánh thực tế một cách khách quan không? Là nghệ thuật nhiếp ảnh? Và tại sao nghệ thuật không ngừng tồn tại sau khi nhiếp ảnh ra đời? Sinh viên đã trình bày dự án của mình, cũng như các kết quả thú vị của một nghiên cứu về thanh thiếu niên về chủ đề này, một phân tích đã được thực hiện. Tác phẩm dễ đọc và thú vị, tài liệu được kết cấu và trình bày logic. Sinh viên nhấn mạnh sự phù hợp của chủ đề, đề ra mục tiêu và mục tiêu nghiên cứu rõ ràng. Các khía cạnh tích cực chính của công việc là:
Tải xuống:Xem trước:Cơ sở giáo dục ngân sách thành phố trường trung học số 10, Pavlovo Khoa - Nhân đạo Mục - phê bình nghệ thuật Công việc đã hoàn thành: Kurichev Andrey, 15 tuổi học sinh lớp 9 "B" Cố vấn khoa học: Shitova Olga Konstantinovna, Giáo viên văn hóa nghệ thuật thế giới Pavlovo Tháng 2 năm 2015
"Nhiếp ảnh có phải là nghệ thuật không?"
Ngày nay, mọi thứ tồn tại vì lợi ích của để kết thúc bằng một bức ảnh. Nhiếp ảnh xác ướp thời gian. Henri Bazin Tôi nghĩ rằng không giống như nghệ thuật truyền thống bức ảnh có ứng dụng thực tế. Nó hữu ích trong nhiều lĩnh vực của cuộc sống con người: trong khoa học, trong quá trình giáo dục, trong pháp y (chụp ảnh hiện trường vụ án, bằng chứng để lại, v.v.), trong kinh doanh quảng cáo, trong chứng minh thư, trong thiết kế, v.v. Và nếu vậy, thìchụp ảnh có phải là nghệ thuật không? Mục tiêu: Tìm hiểu xem nhiếp ảnh có phải là một loại hình nghệ thuật không? Nhiệm vụ:
Giả thuyết của tôi: Nhiếp ảnh là một khái niệm rộng hơn nghệ thuật nhiếp ảnh: không phải mọi thứ được quay trên máy ảnh (cũng như máy quay phim) đều là nghệ thuật. Phương pháp nghiên cứu 2. Phần thân chính 2.1. Sự ra đời và ý nghĩa của nhiếp ảnh Từ "nhiếp ảnh" được dịch từ tiếng Hy Lạp là "bức tranh ánh sáng". Ánh sáng là yếu tố chính tạo nên hình ảnh trong nhiếp ảnh. Nguồn gốc của kỹ thuật nhiếp ảnh nằm ở một hiện tượng quang học được biết đến từ thời cổ đại: nếu một chùm ánh sáng đi vào một lỗ nhỏ trong vật che khuất của máy ảnh (vĩ độ "phòng tối"), thì hình ảnh đảo ngược của các vật thể được chiếu sáng dưới máy ảnh sẽ xuất hiện trên bức tường đối diện. Người đầu tiên chụp được ảnh thật là Nicéphore Niépce. Chuyện xảy ra vào những năm 20 của thế kỷ 19. Một vài năm sau các thí nghiệm. Chuyện xảy ra vào những năm 20 của thế kỷ 19. Vài năm sau thí nghiệm của Niépce, Louis Jacques Daguerre thu được một bức ảnh chụp bằng cách sử dụng một tấm đồng mỏng phủ một lớp bạc trong một chiếc băng cát xét. Những tấm này được gọi là daguerreotypes. Năm 1839, Viện Hàn lâm Khoa học Pháp đã ghi nhận công lao của Daguerre và đưa phát hiện của nhà khoa học Pháp trở thành tài sản của nhân loại. 1839 là năm chính thức ra đời của nhiếp ảnh. Daguerreotypes là những bản sao đơn lẻ, tức là không thể tạo ra các bản sao của chúng, và nhiếp ảnh, như bạn biết, chia thành hai hoạt động - thu được một tiêu cực và tạo ra một tích cực. Kỹ thuật tạo âm được Fox Tabol khám phá ra vào năm 1840. Kể từ đó, rất nhiều thay đổi: phim ảnh xuất hiện, công nghệ tạo ảnh màu được phát triển, và cách đây không lâu, in kỹ thuật số xuất hiện, dựa trên công nghệ điện tử chuyển đổi hình ảnh quang học thành tín hiệu điện. Sự ra đời của nhiếp ảnh không thể chỉ được giải thích bởi sự phát triển của công nghệ. Những năm 30-40 của thế kỷ 19 đánh dấu sự ra đời của một xu hướng nghệ thuật như chủ nghĩa hiện thực phê phán. Một trong những định đề của chủ nghĩa hiện thực có thể được hình thành như sau: bất kỳ nguyên tắc nào của con người là tuyệt đối. Việc mỗi người có một bức ảnh riêng (dù chỉ trong hộ chiếu) chứng tỏ rằng mỗi chúng ta đều bình đẳng với nhau trong thực tế cuộc sống. Nhiếp ảnh khẳng định sự tham gia của chúng ta vào cuộc sống và vĩnh cửu. Trong các tác phẩm hiện thực, cuộc sống của con người được xem xét trong bối cảnh lịch sử (người anh hùng luôn được đưa ra trong mối quan hệ với thời đại). Chú ý đến cuộc sống hàng ngày, các chi tiết - tất cả những điều này đặc trưng cho cả tác phẩm thực tế và nhiếp ảnh. Nhiếp ảnh là người lưu giữ quá khứ: chúng ta nghiên cứu các thời đại lịch sử, cuộc sống gia đình, v.v. bằng hình ảnh. R. Arnheim đã hình thành các đặc tính chung của nhiếp ảnh như sau: “Liên kết chặt chẽ với bản chất vật lý của cảnh quan và các khu định cư của con người, với động vật và con người, với những kỳ tích, đau khổ và niềm vui của chúng ta, nhiếp ảnh được ban tặng đặc ân giúp đỡ một người tự học. Mở rộng và bảo tồn kinh nghiệm của bạn, trao đổi những thông điệp quan trọng ... ”(Arnheim R. Các tiểu luận mới về tâm lý nghệ thuật. - M., 1994, trang 132). 2.2. Liệu nhiếp ảnh có phản ánh hiện thực một cách khách quan? Bằng cách nghiên cứu các nguồn khác nhau, tôi biết được rằng các nhà khoa học đánh giá tiềm năng thực tế của nhiếp ảnh theo những cách khác nhau. Ví dụ, nhà bác học người Pháp A. Bazin cho rằng bức ảnh chụp được của một vật thể "chính là vật thể này." Nhiếp ảnh, theo nhà nghiên cứu, là khách quan, vì “không có gì giữa một đối tượng và hình ảnh của nó, ngoại trừ một đối tượng khác ... Mọi nghệ thuật đều dựa trên sự hiện diện của con người, và chỉ trong nhiếp ảnh, chúng ta mới có thể tận hưởng sự vắng mặt của người đó. Nhiếp ảnh ảnh hưởng đến chúng ta như một hiện tượng “tự nhiên”, như một bông hoa hay một tinh thể tuyết ... ”(Bazen A. Điện ảnh là gì? - M., 1972. - tr. 44). Khả năng thẩm mỹ của nhiếp ảnh nằm ở chỗ bộc lộ cái thực, cái xuất hiện trực tiếp mà không cần qua lời nói và các trung gian nhân tạo khác. Ống kính máy ảnh “giải phóng chủ thể khỏi những ý tưởng và định kiến thói quen”, và rạp chiếu phim “xuất hiện trước mắt chúng ta như sự hoàn thiện tính khách quan của nhiếp ảnh trong chiều không gian… Lần đầu tiên, hình ảnh của sự vật cũng trở thành hình ảnh về sự tồn tại của chúng trong thời gian ... ”(Bazin A., tr. 45). Cũng có quan điểm ngược lại. Yu.M viết: “Tất cả chúng ta đều biết. Lotman, - không giống nhau đến mức nào, những bức ảnh có thể bóp méo như thế nào. Chúng ta biết một người càng gần, chúng ta càng tìm thấy nhiều điểm khác biệt trong các bức ảnh. Đối với mỗi người mà chúng ta thực sự biết về khuôn mặt, chúng ta sẽ thích một bức chân dung của một nghệ sĩ giỏi hơn là một bức ảnh có kỹ năng tương đương. Trong đó chúng ta sẽ tìm thấy nhiều điểm tương đồng hơn. Nhưng nếu chúng tôi được đưa cho một bức chân dung và một bức ảnh của một người mà chúng tôi không biết và được yêu cầu chọn những bức ảnh đáng tin cậy hơn, chúng tôi sẽ không ngần ngại dừng lại ở một bức ảnh, đó là sức hấp dẫn của tính chất “tư liệu” của loại văn bản này. ”(Lotman Yu.M. Về Nghệ thuật. - St. Petersburg, 2000. - trang 297). Kết luận: Cuộc khảo sát này giúp chúng tôi hiểu rằng đa số (66,7%) tin rằng nhiếp ảnh phản ánh thực tế một cách khách quan, và phần còn lại (33,3%) không nghĩ như vậy. 2.3. Là nghệ thuật nhiếp ảnh? Và tại sao nghệ thuật không ngừng tồn tại sau khi nhiếp ảnh ra đời? Nhiều bức tranh đang trôi qua, hàng ngày, chính xác hơn, không thể diễn tả được, không mang tính nghệ thuật, tức là chúng là một “bản sao của thực tế” đơn giản. Tất nhiên, trong những bức ảnh chụp ở nhà (thường ngày) của chúng ta, đối tượng của ảnh sẽ khiến chúng ta thích thú nhất: chính chúng ta, người thân, những người thân yêu, bạn bè, v.v. Những bức ảnh này sẽ là nghệ thuật? Đối với chúng tôi - không nghi ngờ gì nữa: chúng gợi lên bao nhiêu cảm xúc, bao kỉ niệm. Và đối với những người khác, những người xa lạ với chúng ta, liệu đối tượng được miêu tả trong bức ảnh của chúng ta có thú vị không? Ở đây khó hơn. Điều kiện nào là cần thiết để một “bản sao lấy từ thực tế” trở thành nghệ thuật? Rõ ràng, đối với tất cả các môn nghệ thuật khác cũng vậy. “Nghệ thuật ... là hoạt động duy nhất đáp ứng nhiệm vụ khám phá, thể hiện và truyền đạt ý nghĩa cá nhân của hoạt động, hiện thực” (Leontiev A.N. Các tác phẩm tâm lý học chọn lọc. - M., 1983. - tr. 237). Những bậc thầy kiệt xuất của thế kỷ 20 như A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray và những người khác đã biến nhiếp ảnh trở thành nghệ thuật. Tôi đã làm một thử nghiệm với bạn của mình:đặt hai bức ảnh trước mặt anh ta. Khi nhìn vào chúng, bạn của tôi, dựa vào cảm giác trực quan của mình, đã xác định một bức là "nghệ thuật" và cái kia là "phi nghệ thuật". Đối với câu hỏi của tôi: "Tại sao anh ấy lại kết luận điều này?" - tiếp theo là một câu trả lời có phần mơ hồ: "Ồ, rõ ràng, đó chỉ là khung cảnh trước máy ảnh, nhưng ở đây có thêm một số thứ, một loại tâm trạng nào đó, nhiếp ảnh gia muốn thể hiện điều gì đó, để nói từ chính mình, để truyền tải, bạn thấy đấy, cảm giác gì… ” Tôi đã cố gắng diễn đạt những suy nghĩ này một cách cụ thể hơn. Trong sản xuất nhiếp ảnh phi nghệ thuật, hai người tham gia được mệnh danh là bạn: phong cảnh và máy ảnh; trong quá trình sản xuất nhiếp ảnh nghệ thuật, ông nêu tên ba thành phần tham gia: phong cảnh, thiết bị, nhiếp ảnh gia. Trong trường hợp đầu tiên, bức ảnh tự động chụp những gì rơi vào trường nhìn của ống kính, trong trường hợp thứ hai, một cái gì đó được thêm vào phong cảnh thực. Trên thực tế, đây là những dấu hiệu thường được gọi, làm nổi bật những nét đặc sắc của nghệ thuật: sự thể hiện tính chủ quan của tác giả, ... sự đưa ý tưởng vào đối tượng được miêu tả, sự tái hiện của đối tượng gắn với sự hiểu biết chung về thế giới của nghệ sĩ. Đó là, “sau khi trở thành hiện thực của nghệ thuật, thế giới vật chất trở nên nhân bản hóa và tinh thần hóa, nhận được ý nghĩa” (Lotman Yu., Tsivyan Yu., Đối thoại với màn hình, - Talin, 1994. - trang 19-20.) Khi chụp ảnh, chúng ta can thiệp vào vùng mi xung quanh, chúng ta "cắt ra" từ đó một "mảnh" thực tế mà chúng ta thích, hoặc đơn giản là cần, hoặc trùng hợp với một số kinh nghiệm của chúng ta, bày tỏ một số suy nghĩ. Tất nhiên, nhiếp ảnh với tư cách là một nghệ thuật có những phương tiện thể hiện riêng. Khi chúng ta xem một bức ảnh, chúng ta không chỉ chú ý đến cốt truyện, mà còn chú ý đến kế hoạch, góc độ, bố cục của khung hình, ánh sáng, màu sắc. Sử dụng chúng một cách sáng tạo, sử dụng quang học này, quang học đen trắng hoặc phim màu, và bây giờ là khả năng to lớn của máy tính, chúng ta có thể diễn giải các đối tượng của thế giới theo cách riêng của chúng ta, tạo ra những hình ảnh nghệ thuật phức tạp. Tuy nhiên, kiến thức về kho phương tiện biểu đạt không đảm bảo cho một hình tượng nghệ thuật chất lượng cao. Như trong bất kỳ nghệ thuật nào, ở đây bạn cần một sự tinh tế, cảm hứng và hương vị đặc biệt. Thăm dò ý kiến đầu tiên: Tại sao mỹ thuật không ngừng tồn tại sau khi nhiếp ảnh ra đời? Kết luận: Dựa trên cuộc khảo sát này, tôi có thể kết luận rằng 84% những người được khảo sát tin rằng nhiếp ảnh đã trở thành một trong những nghệ thuật và 16% tin rằng nhiếp ảnh trẻ hơn nhiều so với mỹ thuật và có thể sẽ thay thế nó trong tương lai. Kết luận: 32% người được hỏi tin rằng để trở thành một nhiếp ảnh gia giỏi, bạn cần phải có thiết bị hiện đại và chất lượng cao nhất, và 64% vẫn tin rằng điều quan trọng không phải là công nghệ mà là ai sử dụng nó. Kết luận: Câu hỏi này vẫn còn gây tranh cãi đối với tôi. Số lượng người ủng hộ và phản đối việc sử dụng Photoshop trong nhiếp ảnh được chia thành hai phe giống hệt nhau, và câu hỏi này sẽ vẫn chưa có câu trả lời cho chúng ta. Kết luận: Dựa trên cuộc khảo sát này, chúng tôi có thể đánh giá rằng 80% người được hỏi tin rằng nhiếp ảnh là nghệ thuật, 4% trả lời phủ định và 16% không biết câu trả lời cho câu hỏi này. Bạn nghĩ sao? Sự kết luận Giả thuyết của tôi đã được xác nhận - nhiếp ảnh không phải lúc nào cũng là nghệ thuật. Tất cả những ai yêu thích nhiếp ảnh, chiêm ngưỡng những kiệt tác của các chuyên gia, tự mình tạo ra những tác phẩm chất lượng cao, độc đáo và đồng thời không đặt mục tiêu bán tác phẩm của mình - vì đó câu trả lời là hiển nhiên: nhiếp ảnh là nghệ thuật !!! Và đối với những người chỉ đơn giản là chụp ảnh cho mình, cho trí nhớ, chụp ảnh đơn giản là một lợi ích cho cuộc sống, một điều kiện cần. Tôi nghĩ rằng câu hỏi liệu nhiếp ảnh có phải là nghệ thuật hay không có lẽ khó trả lời như câu hỏi về ý nghĩa của sự tồn tại của chúng ta. Một số người cho rằng nếu bạn thích một bức ảnh và ước gì bạn không chụp nó, thì đó là nghệ thuật. Nhưng theo tôi, không phải cứ thích là nghệ thuật, ngược lại không phải cứ thích là nghệ thuật là được. Rốt cuộc, cái đẹp và cái xấu, cái thiện và cái ác - những thứ này không thể tách rời, vì vậy chúng nên được làm đầy nghệ thuật một cách bình đẳng. Nếu chúng ta chỉ nhìn thấy vẻ đẹp, chúng ta sẽ không nhận thức được nó. Cái xấu và cái xấu cũng cần thiết như oxy cho phổi của chúng ta. Những người mơ về hạnh phúc tuyệt đối thì thật là sai lầm, họ không hiểu rằng nếu không có chiến tranh, sẽ không có hòa bình, rằng họ sẽ không biết về hạnh phúc không một gam, nếu họ không trải qua đau buồn. Cuộc sống tự nó sẽ tẻ nhạt, sẽ mất hết ý nghĩa. Thú vị hơn nhiều khi được sống trong một thế giới đầy những mặt đối lập khiến cuộc sống của một con người trở nên đa dạng và mãnh liệt nhất. Văn chương
Ngày nay, ai cũng hiểu rằng nhiếp ảnh, phản ánh con mắt sáng tạo của người chụp, là chủ thể của nghệ thuật. Tuy nhiên, khi nhiếp ảnh ra đời, người ta tin rằng chỉ những tác phẩm nhân tạo mới được xếp vào loại nghệ thuật. Vì vậy, các bản in ảnh, được tạo ra bằng các phương pháp hóa lý, không thể được công chúng chấp nhận như một bộ môn nghệ thuật. Trong nhiều thập kỷ, nhiếp ảnh như một nghệ thuật không phù hợp với hệ thống các giá trị và quan điểm xã hội, và điều này, mặc dù thực tế là những nhiếp ảnh gia đầu tiên đã thay đổi bố cục của bức ảnh để có được giá trị nghệ thuật. Đã có rất nhiều tranh luận về việc liệu có thể so sánh hội họa và nhiếp ảnh hay không? Hoặc có thể nhiếp ảnh là một loại hội họa đang biến mất, trong đó kỹ thuật nào thay thế tác phẩm của người nghệ sĩ? Tuy nhiên, không nên so sánh hai loại hình nghệ thuật này vì chúng có tác động qua lại lẫn nhau. Sự ra đời của nhiếp ảnh đã giải phóng hội họa khỏi chức năng chụp ảnh thực. Và điều này đã góp phần thúc đẩy hội họa phát triển theo những hướng mới với những nét độc đáo của nó. Mặt khác, hội họa đã đưa ra các khái niệm về màu sắc, bố cục, màu sắc, góc độ, phối cảnh và thậm chí cả tầm nhìn của các đối tượng “trong khung hình” trong nghệ thuật hội họa. Để có được hình ảnh chân thực không còn cần đến sức lao động của con người nhờ sự ra đời của công nghệ chụp ảnh. Nhiếp ảnh không chỉ để ghi lại hiện thực, một người khi chụp có thể bày tỏ thái độ của mình với một đối tượng hoặc tình huống, sử dụng các kỹ thuật thiết lập ánh sáng, chọn góc và khả năng chọn đúng khoảnh khắc. Chính thái độ của nhiếp ảnh gia đối với các tình huống được chụp sẽ ảnh hưởng đến hiệu quả của việc xem ảnh. Mong muốn mang lại sự chân thực hơn cho những bức ảnh đã tạo động lực cho việc tạo ra nhiếp ảnh màu. Và ở đây ảnh hưởng của hội họa được quan sát, việc lựa chọn màu sắc ảnh hưởng đến ý nghĩa của bức tranh. Từ đó rút ra các quy tắc để áp dụng màu sắc trong ảnh:
Phong cách trong một tác phẩm nhiếp ảnh phụ thuộc vào tính chất và độ mạnh của sự sai lệch so với nhiếp ảnh tự nhiên, “phản chiếu”. Đương nhiên, nhiếp ảnh nghệ thuật không thể tồn tại nếu không có nhiếp ảnh gia. Người chụp phải có một "tầm nhìn" đặc biệt về thế giới. Không phải tất cả các bức ảnh đều có thể là tác phẩm nghệ thuật thành công. Do đó, người chụp phải rèn luyện kỹ thuật, cũng như có ý tưởng rõ ràng về thái độ của mình đối với các đối tượng chụp của mình. Để chụp, người chụp phải học cách nắm bắt bản chất, tính cách, đặc điểm phân biệt của người mẫu, từ đó sẽ bộc lộ thế giới nội tâm của mình trong bức ảnh. |
